Fantasmagoria pífia...

* LG de Miranda Leão

     Uma Chamada Perdida´ (One Missed Call), de 2008, dirigido pelo francês Eric Valette (1967 - ), pode ser considerado desde logo um dos piores entretenimentos cinematográficos do ano, forte candidato à ´Framboesa de Ouro´...

     Filmes baseados em roteiros, novelas e contos japoneses caíram no goto de produtores americanos há algum tempo já. A maioria deles, no gênero horror, feitos em co-produção com outros países (Austrália, Alemanha, França), tem deixado muito a desejar pela sua mediocridade intrínseca e/ou incompetência técnica, alguns chegam a constituir a borra do cinema. Juntaram-se agora a “Alcon Entertainment” e a “Kadorakana Pictures” para apresentar ao público pagante esta bobagem sem limites, quando há tantos roteiros de bom nível aguardando quem ajude a financiar sua transposição para a tela...

     Por qual motivo escrever um artigo sobre “Uma Chamada Perdida”, perguntou-nos um cinéfilo à saída do cinema. Não fora a atenção para com os leitores, teríamos fugido do padrão deste suplemento e destacado a elogiada 3ª versão de “Lady Chatterley”, de Patrice Ferran, estranhamente lançado no North Shopping. Em verdade, não imaginávamos “One Missed Call” como um filme abaixo da crítica.

Sinopse

     A implausibilidade não é o maior defeito dessa fantasmagoria levada ao ecrã, tampouco o plano de conteúdo ou o de expressão e, sim, o desprezo pela inteligência do espectador, como se a platéia fosse composta de debilóides. O roteiro de Andrew Klavan (?), baseado em romance japonês de Yasushi Akimoto(?), envolve todos quantos, marcados para morrer, recebem mensagens aterrorizantes nos seus telefones celulares, ouvindo-se neles uma gravação do momento de suas mortes próximas. Ao longo do caminho, personagens vêem figuras vindas da noite espectral, com estranhas máscaras brancas, quebradiças, insólita antevisão do horror.

     Um investigador de polícia (Edward Burns) meio “blasé” e de fala mansa, entra em cena para descobrir o porquê dos crimes anunciados e quem anda por trás deles. Há mortes de todo tipo, sustos e choques sonoros inesperados e barulhentos. A narrativa corre assim até o final de certa forma imprevisto deste pastiche do cinema fantástico, no qual se supõe a imortalidade de certos personagens em determinadas condições e aceitamos os monstros, fantasmas, lobisomens, vampiros e mortos-vivos. Daí os exemplos clássicos de Dráculas ressuscitados ou dos zumbis, como no modelar “A Morta-Viva” (I Walked with a Zombie), de Jacques Tourneur (1943).

Direção fílmica

     Pelo visto, Valette (v.box) dirige o filme por trás das telas dos computadores, valendo-se de todos os recursos digitais a seu dispor. Não sabemos quanto tempo tirou para orientar os atores ou rever o trabalho dos editores na sala de cortes. Isso porque não revela traço algum de inventividade na narrativa clássica... Só se for o belo e ominoso gato malhado visto no início, próximo ao lago onde se dará a primeira tragédia.

     O contracampo oculto e o contraluz são recursos técnicos incapazes de disfarçar o vazio. Valette ainda precisa aprofundar conhecimentos e ser mais exigente com os roteiros chegados às suas mãos e não deixar o operador da “steadicam” (Chris Jones) capengar.

Foto, elenco, música

     A fotografia em cores de Glen MacPherson (ASC) segue padrões rotineiros e se vale dos efeitos especiais produzidos pela manipulação de imagens armazenadas num computador de forma digital binária. Esses efeitos por si sós não fazem um filme. O elenco tem um bom ator, Edward Burns, mal aproveitado (vejam-se “O Mistério de River King”, de 2005, e “O Resgate do Soldado Ryan”, de Steven Spielberg, de 1998).

     Burns também dirigiu uma comédia dramática inteligente, “Os Irmãos McMullen” (1995). Shannya Sossamon, sempre assustada por fantasmas e monstros disformes, integra-se à personagem. Ray Wise (de “Boa Noite, Boa Sorte”, de George Clooney, de 2006) tem poucas chances de mostrar sua afinidade com o papel. Os demais coadjuvantes, com Ana Claúdia Talancon à frente, são inexpressivos. Reinhold Heil e Johnny Klimex compõem a trilha.

Sobre Eric Valette

     Natural de Toulouse, onde nasceu há 41 anos, Valette é um cineasta pouco conhecido do público brasileiro. Para alguns críticos, ele esconde seu talento, para outros ele ainda não desabrochou como cineasta. Pelo sim pelo não, é um realizador (e também roteirista) em processo de amadurecimento. Começou dirigindo episódios de documentários para a TV, não só para a França mas também para os EUA e Alemanha. Chegou um tanto apressado para o longa metragem, iniciando-se com “Samedi, Dimanche et Aussi Lundi” (1999). Seguiram-se-lhe “Il Est Difficile de Tuer Quelqu’n Même” (2000) e “Degustation” (2002). “Uma Chamada Perdida” foi seu grande tropeço. No momento, cuida de “Clock Tower” (em pré-produção) e “Hybrid” (em processo de filmagem). Valette também é autor de roteiros interessantes, um dos quais, “Chamber nº. 13”, fez jus a vários prêmios concedidos pela TV francesa.

Cinema e Stones juntos

* LG de Miranda Leão

     ´Rolling Stones Shine a Light´ (2007), dirigido por Martin Scorsese (1942- ), é um espetáculo à parte, mesmo para quem não aprecia o quarteto inglês, ao combinar a magia de um show com a sensibilidade das lentes de um dos melhores e mais inteligentes cineastas da atualidade. Assistir a este documentário é ter uma visão abrangente de tudo quanto fazem os Stones no palco, pois as imagens-rosto, os planos aproximados e os de detalhe mostram tudo quanto os espectadores de um ´live show´ não vêem.

     O filme de Scorsese abriu o prestigiado Festival Internacional de Berlim (a Berlinale) de 2007, ocasião na qual os integrantes da longeva banda (Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts e Ron Wood) foram aplaudidos de pé. Tem sido assim, aliás, em toda parte, não importa onde o quarteto se apresente. Scorsese impressionou-se há tempos com o fenômeno Rolling Stones e decidiu filmar duas apresentações deles no Beacon Theater de Nova Iorque em 29 out e 01 nov de 2006. Nos primeiros dez minutos, somos brindados com a presença dele por trás das câmaras para a escolha das luzes, localização e movimentação das câmaras, gruas, “steadicams” e troca de idéias com assistentes, e para prestigiar o comparecimento do ex-presidente Bill Clinton, de quem ouvimos saudação aos Stones.

     Próximo ao fecho, vemos Scorsese ainda atento e atuante. A lamentar, mais uma vez, o barulho ensurdecedor do sistema de som dos cinemas do Iguatemi, acentuado pelas vozes e guitarras e pela platéia delirante.

Direção fílmica

     A presença de um Martin Scorsese na “mise-en-scène” é sempre certeza de um bom filme e, muitas vezes, de obras-mestras (v.box). Sua atuação durante as reuniões com as equipes na pré-produção (escolha de técnicos, equipamento pesado, câmaras de mão e lentes especiais) é sua marca pessoal e muito contribui para o êxito do produto final.

     Durante a pós-produção, fase mais ingrata, o departamento de edição e a sala de cortes têm atenção redobrada de Scorsese, sempre preocupado com o ritmo e a minutagem -- o tempo de permanência de cada imagem na tela. Tarefa hercúlea, mesmo em se tratando da “simples” filmagem de um show ao vivo.

     Como um dos produtores, Scorsese também escolheu a dedo os financiadores do empreendimento, com Victoria Pearman à frente. Nome respeitável no establishment hollywoodiano, mesmo sendo nova-iorquino, Scorsese não teve dificuldades em encontrar produtores confiantes no projeto e no seu timoneiro. O movimento da objetiva a partir da noite iluminada de Manhattan para, num longo e magistral recuo aéreo, mostrar-nos a beleza da ilha vista de longe é um “gran finale” digno do mestre

     Merece encômios o trabalho exaustivo do “cinematographer” Robert Richardson (ASC) e o de Patrick Woodroffe, este na iluminação do palco e pela sua competência em atenuar o calor emanado de luzes ofuscantes de alta potência.

     A inclusão de entrevistas dos Stones em p&b, quando jovens e menos feios (e já se vão lá uns 45 anos) foi um achado natural de Scorsese para contrastar dois tempos na ascensão deles à maturidade, e para eles mesmos uma conscientização do curso impiedoso do tempo, verdadeiro esmeril de nossa existência fugaz: num abrir e fechar d’olhos já estamos velhos...

Sobre Martin Scorsese

     Descendente de imigrantes italianos, Scorsese nasceu há 66 anos em Queens, Nova Iorque. Garoto franzino e asmático, pensou primeiro em entrar para um convento, mas as dúvidas da pós-adolescência tornaram-no um cético. Foi quando se voltou para sua paixão de infância, a 7ª Arte, e decidiu fazer um curso completo de cinema na “New York University”, onde realizou curtas e médias-metragens como parte do seu aprendizado (1963-67), no qual se incluíam teoria, técnica, visão e revisão de clássicos de ontem e de hoje. “Who’s That Knocking at My Door” (1968) foi seu primeiro longa, seguindo-se-lhe “Sexy e Marginal” (1972) com ousadas cenas de nudez, “Caminhos Perigosos” (1973) e “Alice Não Mora Mais Aqui” (1974). “Taxi Driver” (1976) trouxe-lhe a consagração com a Palma de Ouro em Cannes, firmando-se daí em diante como um dos melhores profissionais da arte fílmica. Logo vieram, entre outros, “Touro Indomável” (1980), “Depois das Horas” (inteligente exercício sobre acasos desfavoráveis na noite nova-iorquina) (1985), o polêmico “A Última Tentação de Cristo” (1988), “Cabo do Medo” (1991), “Cassino” (1995) e “O Aviador” (2005). Ganhou o Oscar com “Os Infiltrados” (2006), inspirado em roteiro de filme chinês, mas com resultado superior.

Mágicas... e o cinema?

                                                           * LG de Miranda Leão

     Co-produção Austrália-Inglaterra, ´Atos que Desafiam a Morte´ (Death Defying Acts), de 2007, dirigido pela veterana e talentosa Gillian Armstrong, decepciona bastante ao fazer um ´mix´ de personagens reais e imaginários, com apoio em roteiro a quatro mãos e sete produtores sempre prontos a meter o bedelho onde não devem.

SINOPSE

     Como se sabe, não é o primeiro filme sobre o mágico Houdini. Suas incríveis escapadas, depois de acorrentado ou algemado, imerso em tanque d’água lacrado, etc., já foram levadas à tela no cinema mudo e, no sonoro, pelo medíocre George Marshall em 1983, com Tony Curtis e Janet Leigh nos papéis-chave. Nessa versão, Houdini acaba morrendo ao tentar livrar-se das correntes de um dos seus truques mais arriscados. Nesta de agora deixamos com o leitor o “achado” do final... Tony Grisoni (?) e Brian Ward (?), roteiristas do filme, inventaram uma história de amor com Houdini apaixonado por uma balzaqueana, mãe de filha desengonçada, ambas lutando pela sobrevivência. Timothy Spall, ator britânico mal aproveitado (lembra o velho Hitch dos anos 30), é quem administra os espetáculos e tem a chave do cofre. Lá pelas tantas quer subornar a mulher com muito dinheiro e fazê-la esquecer o mágico. Quanto a Houdini, é perturbado pela morte da mãe (inserção do conflito edipiano?) e propõe alto prêmio em espécie para quem adivinhar o impossível: as derradeiras palavras pronunciadas por ela.

     Harry Houdini, pseudônimo de Ehrich Weiss (1874-1926), imigrante iugoslavo, filho de rabino, realmente impressionava o público com suas mágicas e truques de bom ilusionista. Quando criança, fora trapezista. Casou-se em 1894 e fez da mulher sua assistente, atribuindo seu sucesso à força física e ao fato de ter pernas arqueadas. Numa de suas exibições, reproduzida pelo filme, deixa-se suspender de cabeça para baixo, a 23 metros acima do solo para depois livrar-se da camisa-de-força. O filme omite informação divulgada à época, segundo a qual ele e a mulher firmaram um compromisso: quem morrer primeiro virá comunicar-se com quem ficou para ver se existe mesmo vida após a morte. Houdini morreu antes, mas jamais apareceu para sua cara-metade...

DIREÇÃO FÍLMICA

     Gillian Armstrong estava num dia de pouca inspiração ou não teve condições de criar algo melhor em termos de cinema. O roteiro é de um simplismo atroz, mas aqui e ali Gillian demonstra intimidade com o metiê, como na minisseqüência dos vários estilos de dança de salão entre os dois apaixonados. Os beijos entre os amantes demoram demais, como se para preencher o vazio de idéias. Esperávamos mais de Gillian, de sua longa experiência. Faltou-lhe captar a emoção do instante e controlar melhor o tempo de permanência de certas imagens na tela. O filme não é mau, mas deixa muito a desejar.

FOTO, ELENCO, MÚSICA

     Haris Zambarioukos (BSC) sai-se bem na recriação de um clima dos anos 20, tanto nos exteriores como no jogo de sombras no cemitério onde “vivem” mãe e filha. Catherine Zeta-Jones, ainda bonita, já mostra em seu rosto sinais da passagem inexorável do tempo assassino, apesar dos recursos de maquiagem. Guy Pearce, ´protégé´ de alguns produtores, faz Houdini, mas até hoje não convenceu. Seu tipo físico nada tem a ver com as fotos de Houdini publicadas à época. Timothy Spall (recorde-se “O Céu que nos Protege”, de Bernardo Bertolucci, e seu apavorante papel de carrasco em “O Lavador de Almas, de Adrian Shergolg) salva-se do naufrágio. Os coadjuvantes maiores e menores não impressionam. A trilha musical só se faz sentir nos momentos das danças a dois.

SOBRE GILLIAN ARMSTRONG

     Nascida há 58 anos, em Melbourne, Austrália, e treinada de início em teatro, Gillian iniciou-se no cinema fazendo curtas. Mudou-se para Sidney e em 1973 cursou escola de TV e cinema. Foi garçonete em restaurante de primeira linha para poder custear seus estudos. Com o êxito de três curtas, entrou na indústria como assistente de direção. Ganhou prêmios em 1976 por um “featurette” e foi aclamada pelo seu primeiro longa, “My Brilliant Career”. Alternou seu trabalho entre a Austrália e os EUA, países nos quais realizou alguns filmes interessantes como “Bob Dylan in Concert” (1986), “Mudança de Rumo” (Fires Within, 1991), “Os Últimos Dias em que Fomos Felizes” (1993), “Adoráveis Mulheres” (1995), “Oscar & Lucinda” (1997) e “Uma Paixão sem Fronteiras” (2001). Coube-lhe projetar nos EUA a australiana Judy Davis.